Seit die Ägypter bis heute die siebentönige Tonleiter erfunden haben, hat die Musik nicht aufgehört sich weiterzuentwickeln. Die Form des Konsums und die Art und Weise, wie Künstler neue Songs veröffentlichen, hat sich verändert und sich an das digitale Zeitalter angepasst.
1999 erlebte die weltweite Tonträgerindustrie mehr als ein Vierteljahrhundert lang eine lange Expansionsphase. Bis 1974 wurden weltweit etwa 1 Milliarde Schallplatten verkauft, und bis zum Ende des Jahrhunderts hatte sich diese Zahl mehr als verdreifacht. In den späten 1990er Jahren entfesselte Shawn Fanning (damals Student an der Northeastern University in Boston, USA) den turbulenten Prozess, der die Grundlagen der Musikindustrie untergraben sollte.
Shawn Fanning erstellte und startete einen File-Sharing-Dienst namens Napster, der es Benutzern ermöglichte, Musik herunterzuladen und zu teilen, ohne die Rechteinhaber zu entschädigen. Napster wurde sofort von der Musikindustrie verklagt und gezwungen, seinen Dienst einzustellen. Aber sofort übernahm eine ganze Reihe von immer ausgefeilteren Diensten. Die aggressiven Methoden, sowohl rechtliche als auch technische, die von der traditionellen Musikindustrie angewendet wurden, um die Flut von Online-Pirateriediensten wie Napster, Kazaa, LimeWire, Grokster, DC++ und The Pirate Bay einzudämmen, waren zwecklos. Sobald ein Filesharing-Dienst vor Gericht gebracht und gezwungen wurde, den Betrieb einzustellen, schienen andere an seine Stelle zu treten. Bis Ende 2013 war der Verkauf von physischer Musik (d. h. Kassetten, CDs, Vinyl) in Einheiten gemessen auf die relativ niedrigen Zahlen der frühen 1970er Jahre zurückgefallen.
Diese schwindelerregende Transformation der Musikindustrie ist ein klassisches Beispiel dafür, wie eine Innovation die Ordnung einer ganzen Branche durcheinander bringt und ihre Fähigkeiten obsolet macht. Die Macht und der Einfluss der Musikindustrie vor dem Internet basierten im Wesentlichen auf der Kontrolle des physischen Vertriebs. Das Internet hat den physischen Musikvertrieb zunehmend irrelevant gemacht, und die betroffenen großen Unternehmen mussten sich neu definieren, um zu überleben.
Die Dynamik der Musikindustrie des 20. Jahrhunderts
Um die Dynamik der Branche zu verstehen, muss man verstehen, dass die Musikindustrie als Ganzes von der Schaffung und Verwertung von geistigem Eigentum lebt. Komponisten und Texter erstellen Songs, Texte und Arrangements, die live auf der Bühne aufgeführt, aufgenommen und an Verbraucher verteilt oder für jede andere Art der Verwendung lizenziert werden, beispielsweise als Verkauf von Noten oder als Hintergrundmusik für andere Medien (Filme). , Werbung, Fernsehen usw.). Aus dieser Grundstruktur sind drei zentrale Musikindustrien entstanden: das Plattenlabel, das sich auf die Aufnahme von Musik und deren Vertrieb an die Verbraucher konzentriert; die Musiklizenzen, die hauptsächlich Lizenzen an Unternehmen für die Verwertung von Kompositionen und Arrangements sowie Live-Musik vergeben, die sich auf die Produktion und Förderung von Live-Shows wie Konzerten, Tourneen usw. konzentrieren.
In der Musikindustrie vor dem Internet war die Plattenindustrie die stärkste der drei und erwirtschaftete die meisten Einnahmen. Die meisten Solokünstler und Bands, die es in die traditionelle Musikindustrie schaffen wollten, träumten davon, bei einem Plattenlabel unter Vertrag genommen zu werden. Ein Vertrag bedeutete, dass das Unternehmen eine Studioaufnahme finanzieren würde, was dem Interpreten die Tore des internationalen Plattenvertriebssystems öffnen würde, was für die meisten Bands ohne Vertrag unerschwinglich war. Der zweite Sektor, die Musiklizenzierung, war viel kleiner und konventioneller als der Sektor der Tonträgerindustrie. Musikverlage, die in diesem Geschäft tätig sind, arbeiteten meist mit anderen Unternehmen der Branche zusammen, ohne direkte Interaktion mit der Öffentlichkeit. Seine Hauptaufgabe bestand darin, Lizenzgebühren einzuziehen, wenn einer seiner Songs in irgendeinem Kontext verwendet wurde, und sicherzustellen, dass diese Lizenzgebühren gerecht zwischen Songwritern und Textern verteilt wurden. Der dritte Sektor, die Live-Musik, erwirtschaftete eigene Einnahmen aus dem Verkauf von Konzertkarten. Obwohl Live-Musik eine lange und reiche Geschichte hat, stand sie im 20. Jahrhundert immer im Schatten der Plattenindustrie. Es war klar, dass die größten Einnahmen aus Plattenverkäufen stammten, und Plattenlabels betrachteten Konzerttourneen im Allgemeinen als Mittel zur Werbung für Studioalben, unabhängig davon, ob die Tour profitabel war oder nicht. Manchmal half sogar das Plattenlabel, die Tour zu finanzieren. Auf diese Weise konnten die Bands alle geplanten Konzerte geben und ihr Album promoten, selbst wenn der Ticketverkauf fehlschlug.
Es war 10 Jahre vor Beginn des 21. Jahrhunderts und die Musikindustrie hatte sich festgesetzt, als das Internet plötzlich auftauchte und das gesamte System in Schach hielt. Die kurzfristigen Auswirkungen des Internets auf die Musikindustrie machten sich vor allem im Vertrieb von Tonträgern bemerkbar. Das heißt, während die Plattenfirmen stark vom Kontrollverlust des Vertriebs und der Online-Piraterie bedroht waren, waren die anderen beiden Branchen im Prinzip kaum betroffen. Während die Labels in den letzten 25 Jahren gelitten haben, haben die anderen beiden Segmente an Stärke und Präsenz gewonnen. Beiläufig; Einer der Hauptgründe ist, dass die Musikindustrie, wenn eine Einnahmequelle zurückgeht, ihre anderen Geschäfte neu bewerten und versuchen muss, die Verluste der Plattenfirmen durch eine Steigerung der Einnahmen aus Lizenzen und Musik zu kompensieren.
Das Internet hat die Musikwelt Ende des 20. Jahrhunderts revolutioniert
Das Internet hat alles revolutioniert und die Musikindustrie ist nicht weit dahinter, seit 25 Jahren bereit, die traditionelle Musikindustrie komplett zu verkomplizieren. Die Möglichkeit, Millionen von Songs auf kleinstem Raum zu haben. Die Revolution der Formate und das Erscheinen von MP3 verdrängten Kassetten und Schallplatten vollständig. Jenseits der Form bedeutete die Digitalisierung der Musik eine zwangsläufige Neuerfindung für die Branche. Die Bedrohungen im Internet waren zahlreich und die Inhalte wurden mit dem Erscheinen einiger Plattformen wie Napster praktisch kostenlos. Es war mehr als offensichtlich, dass mit der Ankunft des Internets in der Musik der erste Punkt, der seine Wirkung bemerkte, der der Verbreitung war.
Doch nach vielen Jahren des Kampfes gegen die Piraterie scheinen sich die Konsumgewohnheiten endlich geändert zu haben. Die Leute sind bereit, Geld für Songs anzubieten, nur mit dem Unterschied, dass wir die Musik jetzt nicht mehr kaufen, sondern dafür bezahlen, sie legal zu hören. Die Geburtsstunde des Streamings kommt und damit auch neue Kanäle wie unter anderem Spotify, YouTube Music, Amazon Music oder Apple Music. Zudem eröffnen sich mit ihnen ganz neue Möglichkeiten, die Wirkung eines Künstlers über seine Verkaufszahlen hinaus zu messen. Jetzt kann das Anhören, Herunterladen oder die Anzahl der Aufrufe eines Videoclips einen Künstler oder eine Band an die Spitze der Musiktrends bringen.
Und was passiert dann mit den Musikschaffenden? Wie zu erwarten, hat die Technologie ihr Ding getan, so sehr, dass es bereits Algorithmen gibt, die in der Lage sind, mit Tools wie FlowMachines selbst authentischen musikalischen Erfolg zu erzielen. Die Innovation lässt keinen Zweifel daran, dass sich Internet und Musik gemeinsam ständig weiterentwickeln und lässt uns fragen, wie Musik in Zukunft aussehen wird.
In diesen Zeiten; Es ist die Musiklizenzierung, die sich zum profitabelsten Geschäft in der Musikindustrie entwickelt hat und auch oft als das innovativste und agilste der drei oben aufgeführten angesehen wird. Und obwohl der Lizenzsektor heute der profitabelste in der Musikindustrie ist, ist Live-Musik derjenige, der am stärksten gewachsen ist. Es gibt eine ziemlich einfache Erklärung dafür, warum Live-Musik in den letzten 15 Jahren eine beträchtliche Expansion erfahren hat. Ganz einfach, Live-Musik ist einfacher zu kontrollieren als aufgezeichnete Musik.
Es ist wichtig zu beachten, dass Apple (2003) das erste Unternehmen war, das innerhalb des gesetzlichen Rahmens erfolgreich einen Online-Musikverkaufs- und -vertriebsdienst einrichtete und nicht in der Musikindustrie tätig war. Er konnte die großen Plattenfirmen davon überzeugen, dass Musikkonsumenten legal kaufen würden, wenn ihnen ein sehr benutzerfreundlicher Service angeboten würde, der es ihnen ermöglicht, Musik für weniger als einen Dollar pro Song zu kaufen und herunterzuladen. Der Dienst hieß iTunes Music Store. In diesem Sinne war iTunes eine radikale Veränderung in der Musikindustrie. Es war die erste Online-Verkaufsstelle, die die Musikkataloge der großen Labels anbieten konnte, ein neuartiges Preismodell verwendete und es den Verbrauchern ermöglichte, von jedem Album nur die Songs zu kaufen, die ihnen wirklich gefielen.
Andererseits kann iTunes auch als eine Innovation angesehen werden, die sich entwickelt hat, während Positionen und Machtstrukturen von Plattenfirmen intakt blieben. Die Rechteinhaber kontrollierten weiterhin ihre Arbeit, und die Lizenzgebührenstrukturen pro eingereichtem Song waren vorhersehbar und transparent. Apple lag mit seiner Vorhersage richtig und der iTunes Music Store war ein großer Erfolg.
In diesem Zusammenhang; Musikanbieter werden weiterhin innovativ sein und sich durch die Entwicklung eines effizienteren und rentableren Modells von der Konkurrenz abheben. Beispielsweise; Zahlreiche Künstler und Komponisten haben sich in den letzten Jahren dem kontextbasierten Modell für die kreative Produktion ihrer musikalischen Werke zugewandt. Anstatt nur geschützte Produktionen ihrer Werke für die Öffentlichkeit zu erstellen, haben sie Dienste und Nutzungsmöglichkeiten entwickelt, die den Hörer in den kreativen Prozess einbeziehen und es den Fans ermöglichen, Dinge mit ihrer Musik zu tun. Die britische Künstlerin Imogen Heap ist ein Beispiel für diesen Trend. Heap teilte seine Arbeit mit seinen Fans und ermutigte sie, während der Produktion seines neuesten Albums Sounds, Bilder und Videos hochzuladen. Später nutzte er dieses Material als Inspiration und baute auch ganze Blöcke davon in seine Songs ein.
Wie sieht die Zukunft der Musikindustrie aus?
Allein von 2020 bis 2021 machte Musik-Streaming laut dem neuesten Bericht der Recording Industry Association of America (RIAA) 83 % des Branchenumsatzes aus.
Die großen Streaming-Plattformen Spotify und Apple Music führten die Umsatztabelle an und erwirtschafteten zusammen insgesamt 7 Milliarden US-Dollar, wobei die durchschnittliche Anzahl der Abonnements (in den USA) von 60,4 Millionen auf 75,5 Millionen Nutzer stieg.
Auch dank Giganten wie YouTube, Spotify, Apple Music und vielen anderen ist es heute vielen Künstlern gelungen, sich bekannt zu machen und ihr eigenes Publikum zu gewinnen.
Andererseits ist jeder Fernsehwerbespot, jede Serie oder jeder Film oder jedes TikTok, das einen Song eines Künstlers oder einer Band verwendet, Tantiemeneinnahmen (Copyright, Verwertung, mechanische Lizenzen etc.) gleichgestellt.
Jetzt hat das Internet die Musik globalisiert und eher das physische Format der Plattenfirmen, das sie verwendet hat, um sie bei der Erzielung einer größeren Einkommensbreite einzuschränken. Beispielsweise; ein soziales Netzwerk oder einen Streaming-Dienst, um Musik zu hören. Das heißt: Plattenfirmen machen Geld mit etwas, das es vorher einfach nicht gab; Sie sind gekommen, um die Beschränkungen zu durchbrechen, die durch das physische Format selbst auferlegt werden.
Das lukrative Potenzial des digitalen Modells ist so groß wie die Möglichkeiten und Möglichkeiten, Benutzer zu beeinflussen. TikTok ist das beste Beispiel. Werfen Sie einfach einen Blick auf eine der neuesten viralen Herausforderungen im sozialen Netzwerk: #blindinglightschallenge, die den Song „Blinding Lights“ von The Weeknd verwendet. Über 17 Millionen Videos wurden mit dem Thema hochgeladen, und wenn nur ein Video in der Lage ist, über 1,5 Millionen Likes zu erhalten (wie dieses), steht die Verbreitungskraft außer Frage. Und denken wir daran, dass für jede Vervielfältigung zusätzlich Rechteeinnahmen anfallen.
Wahrscheinlich werden wir in Zukunft Künstler sehen, die sich entscheiden, ihre Master nicht an die Plattenfirmen zu verkaufen oder die phonografische Kontrolle über ihre Arbeit zu verteilen, damit niemand zu viel Macht über sie hat. Sie können entscheiden, dass ein Unternehmen das Album in einem Markt und ein anderes in einem anderen veröffentlicht, einen eigenen Verlag gründet oder seine Arbeit über unabhängige Aggregatoren vertreibt. Aber auch hier greifen die großen Labels: Sie kaufen unabhängige Distributoren wie The Orchard (Sony) oder Ingrooves (Universal).
Für Künstler oder Bands funktionieren Live-Shows über soziale Netzwerke oder Konzerte oder Festivals weiterhin und sind fast gleichbedeutend mit Erfolg und voller Kapazität, aber der Musikverkauf hat ein besseres Leben hinter sich. Heutzutage verdienen Künstler mehr Geld für ihre musikkomplementären Aktionen. Beispielsweise; Einige Künstler haben ihre Linie berühmter Parfums auf den Markt gebracht, wie die Pionierin Britney Spears mit zwei Düften, dann Justin Bieber, Shakira, Taylor Swift oder One Direction mit drei Colognes.
Aber die Möglichkeiten, Geld zu verdienen, enden hier nicht. Auch Urheberrechte sind eine sichere Einnahmequelle, ebenso wie Lizenzen und Gebühren für einen Song, der in einem Film, einer Serie, einer Anzeige oder einem Videospiel spielt. Und vergessen Sie nicht, Songwriter anderer Künstler zu werden, sich an den Einnahmen zu beteiligen und so die Gewinne zu vervielfachen.
Heutzutage von der Musik zu leben, wird nur von gewissen Glücklichen erreicht, die wissen, wie man sich gut bewegt. Die Ära der Digitalisierung und des Internets ist gekommen, um Künstler und Plattenfirmen neu zu überdenken, wie sie weiterhin Geld verdienen können. Der überwiegende Teil des Einkommens eines Musikers stammt aus Konzerten, Fernseh- oder Filmlizenzen und Marketing.
Die Einkommensmöglichkeiten von Musikern sind vielfältig:
- Verkauf von Discs in ihrer physischen Unterstützung. Erwähnenswert ist, dass Vinyl ein gewisses Comeback erlebt hat.
- Digitaler Verkauf
- Streaming von Musik-Websites und -Apps (Spotify, Apple Music…)
- Konzerte wurden nicht nur als eine Form des Geldes als Musiker verstärkt, sondern auch, um Loyalität aufzubauen und sich mit ihren Anhängern zu verbinden.
- Teilnahme an Festen. Durch das Erscheinen von Spotify haben die Menschen ihr Verständnis von Musik verändert und geben lieber eine gewisse Summe für ein Konzert- oder Festivalticket aus als für eine Platte.
- Das Marketing hat sich diversifiziert und perfektioniert und umfasst viele Möglichkeiten: T-Shirts, Hüte, Kalender, Bücher, Accessoires.
- Anzeigen und Werbung. Eine Vielzahl von Künstlern hat an Werbekampagnen für Produkte wie Kleidung, Schuhe oder sogar Kölnisch Wasser teilgenommen. Das heißt, sie verdienen Einkommen, indem sie die Produkte der Unternehmen sponsern, die sie einstellen.
- Urheberrecht, Lizenzen und Gebühren. Einige Songs können Teil von Filmen, Werbespots oder Videospielen werden.
Abschließend; All diese Veränderungen und die Schaffung der neuen Weltbühne, die musikalische Innovation hervorgebracht hat, und die Schaffung neuer digitaler Geschäftsmodelle laden uns zu einer unendlichen Kombination von Möglichkeiten ein. Das einzige, was wir mit Sicherheit garantieren können, ist, dass sich die Musik weiterentwickeln und neu erfinden wird, uns aber immer begleiten wird.
VIELEN DANK FÜR DAS LESEN UND FÜR IHRE KOMMENTARE ZU DIESEM ARTIKEL